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225 Au nom du Père ... Avec Rembrandt, Au-delà des collines , à la recherche de la pertinence du texte biblique, aujourd’hui découvrait, jusque dans les recoins les plus cachés de son âme (Durham 2005 ; Mayor 1979, 5-6). Dans Le Retour du fils prodigue , Rembrandt s’inspire de la parabole éponyme narrée dans l’ Évangile selon Luc 15 : 17-32, valorisant des éléments d’exégèse biblique et y ajoutant d’importantes touches personnelles. Le thème de la miséricorde divine est abordé avec une grande finesse et profondeur, ce qui témoigne à la fois d’une solide documentation préalable et d’une implication subjective profonde de l’artiste, probablement marqué par la perte de son fils. Une allégorie de la foi, de l’espérance, de l’amour, de la quête de Dieu, de l’attente d’un retour, du désir d’une rencontre, d’une réconciliation. Certains exégètes de l’œuvre de Rembrandt considèrent que cette pièce maîtresse représente le testament artistique du peintre. Dans ce tableau, Rembrandt utilise la technique du clair-obscur, entourant les contours de certaines figures humaines d’une irisation lumineuse, qui les distingue de l’ombre environnante. Les trois personnages principaux – le père aimant, le fils retrouvé et le fils aîné – sont projetés dans une lumière discrète, sur un vaste arrière-plan ombragé, où les visages d’autres protagonistes se distinguent à peine. En contraste, les pieds nus et blessés du jeune homme revenu de son errance, ses vêtements en lambeaux, son crâne chauve caressé par les bras de son vieux père, dont les manches rouges semblent traverser et s’apprêter à envelopper de manière guérisseuse l’ocre maladif du fils, sont subtilement représentés. Contrairement à d’autres approches picturales de ce thème, le tableau de Rembrandt est conçu comme un arrêt sur image. Le peintre capte un instant suspendu entre le temps et l’éternité. L’artiste semble représenter un groupe sculptural, dans lequel il grave la solennité de la miséricorde divine et la profondeur du repentir, du retour, ainsi que la joie des retrouvailles, mais non comme des émotions passagères, plutôt comme des états de la condition humaine, des vertus qui donnent à l’instant son contenu et sa noblesse. Le caractère statique des personnages, les transitions délicates de la palette d’ocre-jaune vers des tons rougeâtres, le jeu des lumières et des ombres, le clair-obscur qui enveloppe l’ensemble pour ne laisser entrevoir que l’essentiel des choses, tout cela émane une sérénité particulière, où même les mots deviennent superflus, car seul le silence exprime tout. Rembrandt réussit, par le biais de la chromatique, des formes, des volumes, des postures corporelles des personnages et des transitions